La mode est aux contes revisités. Rien que ce mois-ci, nous en aurons trois ! Mais que donne le film du réalisateur de « Spider-Man » ? Un conte personnel !

 

 

Le Monde Fantastique d’Oz :

l’histoire cachée d’un magicien grand et puissant

 

Dans les années 1990, je découvrais lors d’un après-midi de jour férié un monument du Cinéma, mais ça, je ne le savais pas encore du haut de mes six ans.

Passé du noir et blanc à la couleur, venant tout droit du Kansas, Dorothy ne le savait pas plus, et pourtant, elle était l’ambassadrice d’une magie intemporelle qui allait toucher plusieurs générations.

« Le Magicien d’Oz » de Victor Fleming a su se faire une place dans le cœur de nombreux cinéastes au fil des années.

 

L’un d’eux : Sam Raimi.

Grand cinéphile, il fut, à l’image de Dorothy ; un ambassadeur d’une autre magie dans les années 1980, à l’hémoglobine plus poussée : le genre horrifique fantastique brillait de mille feux à ce moment là. « Evil Dead », ce pur OVNI cinématographique, scella ainsi la carrière du réalisateur.

 

Une quinzaine d’années plus tard, Sony Pictures choisissait son goût pour le désuet charmant pour l’adaptation de « Spider-Man ».

Après trois réussites artistiques et commerciales (plus discutable pour « Spider-Man 3 »), Sam Raimi fut remercié.

Le cas « Spider-Man 4 » est presque un cas d’école : pré-production houleuse, différends artistiques, ambitions financières démesurées pour chacune des parties (production, réalisateur, acteurs). Bref, ce quatrième épisode des aventures de Peter Parker ne pouvait plus se faire avec Sam Raimi.

Sony Pictures claque ainsi la porte au réalisateur américain et le met définitivement dehors pour rebooter (un peu trop vite à mon goût) la saga « Spider-Man » afin d’en conserver les droits (« The Amazing Spider-Man », cette grande réussite).

 

Après un « Jusqu’en Enfer » personnel, Sam Raimi est repêché par Disney et envoyé sur le champ de bataille.

« Alice au Pays des Merveilles », conte 3D revisité par Tim Burton (et discutable), a amassé plus d’un milliard de dollars de recettes à travers le monde en surfant sur la vague « Avatar », sorti 3 mois plus tôt.

Convaincus de tenir là un réceptacle à dollars, Disney relance l’opération : conte revisité, réalisateur reconnu et admiré, production surpuissante (remarquez toutes les productions semblables ces temps-ci : « Hansel & Gretel », « Jack le Chasseur de Géants »).

Joe Roth, ex-Président des Studios Disney dans les années 1990, revient à la production après « Alice » et « Blanche-Neige et le Chasseur », dévolu à Universal Pictures, pour mettre en boite ce nouveau succès.

 

Alors ? Boite à idées ou opportunisme en boite ?

 

Ce « Oz, The Great and Powerful » n’est sans doute pas le film de l’année, mais a plus d’un tour dans son sac !

 

Brève analyse et seconde lecture à venir !

Attention, c’est truffé de spoilers (si vous n’avez pas vu le film et ne voulez pas en savoir plus, PARTEZ !).

 

 

 

« I don’t want to be a good man.

I want to be a great one ! »

 

Le film commence ainsi dans un tourbillon.

 

Passé le château logo de Disney, nous entrons dans un tourbillon d’idées, de « trucs » à rappeler le théâtre-studio de George Méliès, qui utilisait la profondeur de champs pour glisser des objets fantastiques.

 

Et c’est un peu l’image que souhaite donner Raimi à son film.

Les effets spéciaux prennent tout leur relief grâce à la 3D, le scénario accumule les petites idées fantastiques pour étonner son spectateur, et Sam Raimi doit donc passer par le château de Cendrillon (allégorie de Disney) pour réaliser un rêve de gosse.

 

 

OZ

I don’t want to be a good man. I want to be a great one !

(je ne veux pas être un homme brave, je veux être un grand homme !)

 

 

Un rêve qui l’oblige à revisiter sa propre carrière et mettre en scène des personnages qu’il a rencontré tout au long de sa vie.

Ce n’est pas pour rien que Zach Braff devient le singe volant Finley. La petite handicapée (Joey King), vue dans la première partie du film en noir et blanc, devient elle, cette petite poupée de porcelaine réparable : China Girl.

 

Par ces nouvelles représentations de personnages déjà rencontrés, Raimi ne cherche pas à créer une confusion rêve/réalité, mais plutôt à mettre en évidence un lien entre ce que le personnage principal voit au pays d’Oz et a pu vivre par le passé.

« Le Monde Fantastique d’Oz » n’est donc plus un simple récit initiatique sur la quête d’identité, mais même plutôt la revisite de choses vécues, sublimées par ce que le recul de ces expériences à pu apporter.

 

Ainsi, le magazine MadMovies ne se trompe pas quand il indique que « Le Monde Fantastique d’Oz » est une métaphore de la carrière de Sam Raimi selon le modèle suivant :

 

- Sam Raimi = Le Magicien (James Franco)

- Agent de star = Theodora, sorcière équipe 1 (Mila Kunis)

- Productrice hollywoodienne = Evanora, sorcière équipe 1 (Rachel Weisz)

- Représentante de Disney = Glinda, sorcière équipe 2 (Michelle Williams)

 

L'équipe 1 = Sony Pictures, et l'équipe 2 = Disney.

 

Un magicien prestidigitateur interprété par James Franco (Sam Raimi) est catapulté dans un monde fantastique (Hollywood) où il espère devenir riche (la réussite hollywoodienne) et pourquoi pas Roi (consécration, avec les prix).

Il rencontre une ravissante jeune femme jouée par Mila Kunis (agent) qui espère bien qu’il est le Magicien d’Oz comme l’indique la prophétie (l’agent est faite pour ça).

Elle emmène le magicien (Raimi) à Rachel Weisz (une productrice hollywoodienne) qui lui promet gloire et fortune (le trésor) s’il tue la méchante sorcière (présumée), la ravissante Michelle Williams.

 

C’est là où je vais prendre volontairement de la distance avec ce qu’à écrit le magazine des films de genre.

 

 

 

Une magie peut en cacher une autre

 

La sorcière présumée méchante et qui doit être tuée (Sony Pictures qui souhaite tuer Disney, son concurrent direct) est en fait gentille (Disney donne plus de libertés qu’on ne pense) et espère même que le magicien pourra l’aider pour tuer les autres sorcières qui sont en fait méchantes –l’agent va le devenir, après un bourrage de crane par la sorcière-productrice.

 

Si on suit alors le principe évoqué ci-dessus, l’équipe 1 de sorcières (possiblement Sony Pictures, ex-producteurs de Sam Raimi sur la trilogie « Spider-Man ») cherche à terrasser l’équipe 2 (la sorcière en réalité gentille : Disney) en la faisant passer pour la méchante par un jeu de manipulation.

 

Sauf que le magicien d’Oz est quelque peu candide (Sam Raimi et ses rêves de cinéaste) et aspire à plus de reconnaissance.

 

Il va donc aider la sorcière de l'équipe 2 : Michelle Williams / Disney.
Il prépare l'attaque contre l'équipe 1 en rassemblant une famille, une tribu, à priori inoffensive, mais qui lui garantira respect, peut être bien gloire et fortune.

Le parallèle ici est à faire avec les équipes créatrices de Disney, qu’on assimile à enfantines. Par extension, on peut les rapprocher au public familial visé par la major aux grandes oreilles et donc par la production de ce nouveau film pour Sam Raimi.

La famille est une cible à priori inoffensive, et pourtant, c’est celle qui aujourd’hui rapporte le plus d’argent à travers le monde… Réfléchissez-y bien : quels sont les films qui marchent le mieux ?

 

Un énième parallèle peut être fait avec cette sorcière blanche, qui a tout d’une mariée (et qui gagne avec le magicien, une fin pur vieil Hollywood avec ce baiser iconique rappelant « Autant en Emporte le Vent ») : elle peut être assimilée à Gillian Greene, actrice américaine (et donc faisant partie du système) et femme de Sam Raimi à la ville… depuis 1993 !

De quoi la mettre en scène comme un véritable soutien magique ?

 

La fin de l’histoire, quant à elle, est un pur délire de cinéaste.

Sam Raimi invoque Edison et George Méliès au travers de cette invention farfelue qu’est cette fumée blanche, où est projetée le visage du magicien… Oui, pas moins qu’un cinématographe.

 

Le cinéma, dans sa pure essence, vainc les affreuses sorcières de la machine hollywoodienne néfaste et fait briller le Royaume d’Oz de mille feux : Disneyland ou l’œuvre de Raimi ?

 

 

 

Manège intemporel

 

Il est difficile de juger ainsi le film sur pièce. Car bien qu’il offre de tels niveaux de lecture, il reste très simpliste.

C’est sûr, on prend dix huit fois son pied dans ces montagnes russes numériques, infiniment plus réussies que la bouille digitale de Burton (« Alice au Pays des Merveilles ») et à la 3D réellement exploitée (les passages d’un format 1,33 noir et blanc à un format Cinémascope procure quelques frissons rappelant l’attraction « Cinémagique » à Disneyland !).

Le voir dans les conditions optimales (projection 4K et son Dolby ATMOS pour ma part) procure un certain plaisir. Et c’est aussi ce que recherche Sam Raimi en réalisant ce film : nous procurer du plaisir, comme sur une montagne russe.

 

A votre avis, pourquoi le film débute dans une fête foraine ?

Il ne faut pas se méprendre. Le Cinéma est aussi un art forain à l’origine…

 

Alors, ce « Monde Fantastique d’Oz » entrera-t-il dans l’Histoire comme l’avait fait « Le Magicien d’Oz » en 1939, ode technique et spectacle à apprécier encore aujourd’hui ?

J’aimerais répondre par la négative, mais cet attachement à l’art que prône Sam Raimi pendant 2h07 me pousse à une grande hésitation…

 

"It's all about Movie Magic."

Continuez donc de rêver les yeux grands ouverts !

 

 

 

 

« Le Monde Fantastique d’Oz » de Sam Raimi.

Avec James Franco, Mila Kunis, Rachel Weisz, Michelle Williams, Zach Braff et Joey King.
Musique de Danny Elfman.

Actuellement au cinéma.

 

William Mondello

 

Crédit photo : The Walt Disney Company

La grande messe arrive : on profite pour faire un petit LiveTweet de la 85e cérémonie... Forcément en direct, et forcément sur Twitter !

 

 

Oscars 2013, here we come !

 

Présentés cette année par Seth MacFarlane, les Oscars, 85e édition, consacrera tous les films sortis aux Etats-Unis avant le 31 décembre 2012.

Dans la catégorie meilleur film, on retrouve ainsi : "Happiness Therapy", "Lincoln", "Argo", "Zero Dark Thirty", "L'Odyssée de Pi" ou encore "Amour".

 

Cette nouvelle édition, que l'on pourra suivre en France de 23h à 6h du matin sur Canal+ ce dimanche, sera aussi probablement la cérémonie la plus tweetée de toute l'Histoire.

 

L'occasion unique de se retrouver sur notre compte Twitter (déjà bien alimenté en news, ne le manquez pas) pour cette soirée annuelle, qui je l'espère, vaudra le détour.

Suivez-nous dès maintenant !

 

@wtfcine

 

En attendant, ne manquez pas nos chroniques de :

 

- "Django Unchained" de Quentin Tarantino

(nominé Meilleur film et Meilleur Scénario Original)

 

- "L'Odyssée de Pi" d'Ang Lee

(nominé Meilleur Film, Meilleure Musique, Meilleurs effets spéciaux, Meilleure photographie, Meilleur réalisateur)

- "Les Misérables" de Tom Hopper

(nominé Meilleur Film, Meilleurs Décors, Meilleurs Costumes)

- "Zero Dark Thirty" de Kathryn Bigelow

(nominé Meilleure Actrice Jessica Chastain, Meilleur Film, Meilleur Scénario Adapté)

- "Happiness Therapy" de David O. Russell

(nominé Meilleur film, Meilleur acteur Bradley Cooper, Meilleure Actrice Jennifer Lawrence, Meilleur acteur dans un second rôle Robert De Niro, Meilleur scénario adapté, Meilleur réalisateur)

 

 

A dimanche dès 23h sur Twitter !

 

William Mondello

Perfectible, le nouveau film de Tom Hopper se base sur une comédie musicale unique en son genre. Pour avoir vu ce chef d’œuvre à Londres, vu la frustration que le film provoque, a-t-il eu raison ?

 

 

Les Misérables : j’ai rêvé un rêve

 

Je l'attendais de pied ferme.

De la séquence la plus modeste au chant le plus épique, l’adaptation cinématographique de la comédie musicale de tous les records « Les  Misérables » (toujours jouée à Londres, depuis 1985), elle-même adaptation du chef d’œuvre de Victor Hugo, dépeint le romantisme de cette fresque.

Hugo était déjà lyrique dans son écriture, poète dans son message, et presque naïf dans certains de ses personnages divins.

Le chant, et plus précisément la comédie musicale, genre ô combien blâmé en France, par ses traits tirés, son sens du spectacle et sa beauté innée était le support idéal pour retranscrire l’émotion d’une telle œuvre.

 

Alors pourquoi pas au cinéma ?

 

Hugh Jackman, Anne Hathaway, Amanda Seyfried Samantha Barks, Sacha Baron Cohen, Helena Bonham Carter, Eddie Redmayne et même Russel Crowe alternent chants d’une puissance incroyable, quelques maladresses mais une infinie sincérité tant « Les Misérables » la comédie musicale est devenue une institution  dans le monde du spectacle anglo-saxon…

Institution hélas oubliée par la France, terre d’accueil d’un certain (et historiquement de mépris envers) Victor Hugo, et terre de création… de la comédie musicale aujourd’hui si décriée.

 

Laissons nous porter l’espace d’une chanson-exemple, voulez-vous !

 

Confrontation.

Musique épique.

Explications.

Emotions.

 

Musique maestro !

 

  

« I Dreamed a Dream »

 

La caméra se fige.

L’orchestre se calme.

La lumière se pose.

 

Elle chuchote.

 

Et la voix d’Anne Hathaway s’empare petit à petit de la salle.

 

Il fut un temps révolu où une douce chanson pouvait être prise pour ce qu’elle était. Le long-métrage assume, lui, ce qu’il est à ce moment précis. Il invite le spectateur au décollage.

 

Une ligne, chantonnée sans musique et cette dernière arrive promptement.

 

La douceur de cette voix maternelle, de cette mère incarnée réconforte le public présent ce soir dans une salle de cinéma. L’empathie est à son maximum pour ce personnage devenu archétype : Fantine.

 

La séquence démarre sur une retenue. Après des séquences mouvementées, à grands nombres de personnages, après cette grande tempête, le calme.

Nous voilà en tête à tête avec la sublime comédienne américaine.

 

Hathaway va réinterpréter cette chanson peu commune. Celle la même qui résume toute une condition. Qui a fait gagner Susan Boyle à l’émission « Incroyable Talent » britannique. Cette chanson qu’Alain Boublil et  Claude-Michel Schoenberg écrivirent autour d’une émotion. Pour la comédie musicale, originellement française, il fallait se concentrer sur le romantisme du roman de Victor Hugo. Sur la poésie des sens. Sur les émotions.

Celles ressenties lors de la lecture du chef d’œuvre de Victor Hugo.

Quand Hugo eut à définir le personnage de Fantine, il en fit ce symbole d’injustice sociale. De Cosette, par extension, il en fit cet enfant de l’enfant à protéger.

 

Ce soir,  pour cette énième Fantine qui succède à de nombreuses autres qui eurent à jouer devant des millions de spectateurs de théâtre depuis 1985 à Londres, Broadway ou ailleurs (jusqu’au Japon), le challenge est différent.

Ce solo sera toujours aussi grand ; mais comme nous sommes au cinéma, l’insistance se fera sur l’interprétation non plus de la voix, mais bien sur celle du regard.

 

 

« Stars »

 

Tom Hopper, réalisateur oscarisé du « Discours d’un Roi » a pris soin de faire la différence entre œuvre musicale, presque d’opérette, et œuvre cinématographique. En marquant cette différence, tout en étant fidèle à l’adaptation musicale du chef d’œuvre de Hugo, originellement jouée au Palais des Sports en 1980, le réalisateur britannique a pris un risque : créer un film hybride, complètement chanté, doux et irréel comme la comédie musicale toujours à vivre à Londres, mais également sale et quasi-réaliste comme n’importe quelle autre film sortant aujourd’hui.

Ce parti pris, pas toujours en adéquation avec la direction artistique, qui elle, a pris la décision d’assumer totalement le côté théâtral de cette adaptation unique, est discutable. Mais sur de nombreuses séquences, cette direction entreprise permet une émotion totalement palpable. Une justesse.

 

Une justesse, ici, de la comédienne qui est sans pareil. Du premier couplet au premier refrain, celle qui avait incarné Catwoman dans « The Dark Knight Rises » souffle le public.

A chaque poussée, chaque air entonné, elle cloue.

 

Une chanson unique, qui va lui sert à exprimer cette infinie tristesse, dansant entre la mélancolie, la nostalgie d’une époque révolue et d’un désespoir profond.

 

Dans la pièce originale, Fantine est face au public, éclairée par une lumière blanche presque aveuglante ; la voulant quasi divine tant cette chanson est aujourd’hui mondialement reconnue.

 

Hopper brise alors cette divination pour son adaptation cinématographique, perçant l’émotion dégagée par sa comédienne, via un plan séquence (en une seule prise), et approchant presque les « basics » de la comédie musicale.

Il colle à l’émotion, au ressentiment du personnage de Fantine pour assurer une empathie passionnelle avec le spectateur et son personnage. Il vide la séquence de tout ce qui aurait pu nous parasiter et concentre tout sur la seule et unique Anne Hathaway.

 

 

« One day more »

 

Séquence pivot du film, « I dreamed a dream » éclate toutes les prédictions. Certes, jamais nous ne serons autant dans le bain que lors d’un spectacle vivant ; mais la sincérité de cette séquence (les détracteurs y verront du fil blanc) est telle, l’interprétation est telle, qu’elle vous soufflera.

Car cette chanson a ce mérite de porter plusieurs émotions. Plusieurs fluctuations. Et Hathaway porte toute cette évolution aussi bien sur sa voix, que son regard sans équivalent, elle qui hypnotise tant avec ces grands yeux marrons.

 

Note après note, Anne Hathaway élève sa voix et pose ce regard dans le vide. Le plus sombre des décors du film.

La colère gagne.

L’espoir revient peut être. D’une ligne à l’autre. Mais replonge « There are dreams that cannot be ».

 

La comédienne explose en sanglot, panique, hurle.

 

Elle se reprend finalement… Pour énoncer un désespoir immense.

« Life has killed the dream I dreamed. » (la vie a tué le rêve que je rêvais)

 

Celui de voir un public comprendre l’essence de toute une œuvre ?

 

 

« Les Misérables » de Tom Hopper.

Avec Hugh Jackman, Russel Crowe Anne Hathaway, Amanda Seyfried Samantha Barks, Sacha Baron Cohen, Helena Bonham Carter, Eddie Redmayne.

Actuellement au cinéma.

 

« Les Misérables », le spectacle musical, au Queen’s Theatre de Londres.

Actuellement.

 

 

William Mondello

 

Crédit photo : Universal Pictures